Mark Rothko galben roz violet. Cele mai scumpe tablouri din lume

Mark Rothko: O expresie simplă a unui gând complex

În timpul liceului, Rothko a lucrat ca vânzător de ziare și într-un depozit pentru compania N&S Weinstein, anii 1920. © Muzeul Evreiesc din Oregon

În continuare, bietul, dar foarte activ, Marcus, care lucrează cu jumătate de normă ca livrător de ziare, a câștigat o bursă pentru a studia la prestigioasa Universitate Yale, intenționând să devină avocat sau inginer. Dar tocmai a renunțat la universitate și a fugit la New York pentru a picta.

Mark Rothko, elev la liceul Lincoln, 1921.
© Biblioteca Județeană Multnomah.

Au urmat mulți ani de lipsă de bani, libertate creativă și căutare activă a propriului stil. Ani de frăție boemă cu oameni de artă și ani de fericire.

În 1940, Rothko s-a trezit în sfârșit în avioane de culoare plutind în spațiu. Aceste pânze dreptunghiulare mari au fost cele care i-au adus artistului faima și libertatea financiară. A fost înțeles, a fost simțit. Cu toate acestea, faima nu a adus fericire. Viceversa. Sănătatea s-a deteriorat. Căsătoria mea cu soția mea s-a despărțit...

Mark Rothko cu soția și fiul său Christopher cu aproximativ un an înainte de divorț, 1968

Pânzele acestei perioade sunt întunecate, amare, sumbre. Artistul s-a mutat în propriul studio de pe East 69th Street și a continuat să bea și să fumeze mult. Și un an mai târziu, umplut cu antidepresive, a decis că nu mai are rost să trăiască, și a plecat, lăsând în urmă peste 800 de lucrări, cu o valoare totală de peste 20 de milioane de dolari, care vor fi revendicate de copii, fundații, prieteni. ...

Mark Rothko „Fără titlu”, 1969

„Acest lucru cu greu poate fi explicat...”, a spus unul dintre personajele serialului. - Poate în ea [ PP: Pictura lui Rothko] și nu are sens. Poate că trebuie doar să simțim asta. Când te uiți, simți ceva. E ca și cum ai privi adânc în ceva. S-ar putea să cazi..."

In contact cu

Mii de opere de artă au fost distruse de Hitler și asociații săi în anii 1930, dar naziștii și-au dat seama curând că pierd bani prin distrugerea artei presupuse „degenerate”. Lăcomia a salvat sute de capodopere: acestea au fost vândute sub tejghea, inclusiv în Statele Unite. În plus, în perioada premergătoare și în timpul celui de-al Doilea Război Mondial, mulți artiști au emigrat în America. Astfel, centrul vieții artistice s-a mutat de la Paris la New York. Markus Rotkovich, un băiat evreu adus de părinții săi din Letonia, a venit acolo exact la timp.

Mark a început să studieze arta destul de târziu, după 30 de ani. Perioada de glorie creativă a început la mijlocul anilor 1930, iar faima mondială a venit imediat după război. La acea vreme, Europa era în ruine, dar viața de peste mări era în plină desfășurare. Devenind centrul economic al lumii, Statele Unite au devenit și un centru cultural.

Rothko era tânăr, talentat și s-a trezit într-un mediu cultural neînchipuit de bogat. În general, nu plănuia să fie artist, doar a mers la colegiul de artă al unui prieten și a luat foc. Mark a urmat cursurile New School of Design din New York. Tocmai apăruse expresionismul abstract și acolo era deja gândit, teoretizat, experimentat, iar studenții comunicau cu vedetele noii direcții.

Idei noi

Tânăra minte lacomă a fost influențată de Andre Breton și Paul Klee, iar după puțin mai mult timp Rothko s-a trezit în compania lui Jackson Pollock și Willem de Kooning. Ei gândesc într-un mod similar, abandonează canonul figurativ, rolul obișnuit al artei și caută ceva nou. Ideile lor sunt susținute de instituții oficiale. Există o părere că expresionismul abstract a fost ales ca instrument de formare a mărcii americane. Ce știm despre arta antebelic americană? Foarte putin. Sunt multe despre postbelic. Acest lucru demonstrează nu numai puterea talentului, ci și puterea propagandei.

La sfârșitul anilor 1930, Rothko a început să lucreze pentru o organizație guvernamentală creată pentru a depăși consecințele Marii Depresiuni. Astăzi este cunoscut rolul regenerativ al artei, dar în urmă cu 80 de ani Rothko a devenit unul dintre inovatorii terapiei culorilor. Pictura lui de câmp de culoare, care folosește planuri mari de culori care sunt similare ca tonalitate, ar putea ajuta cu adevărat la restabilirea psihicului concetățenilor săi, traumatizați de frământare.

"Portocaliu, rosu, galben"

Ca reprezentant al expresionismului abstract, Rothko, împreună cu Barnett Newman, a devenit fondatorul minimalismului - iar semnificația portocaliului, roșu, galben este în mare măsură modelată de contextul său istoric.

Omenirea atribuie rareori valoare obiectelor și fenomenelor fără motive clare. Diamantul este fenomenal de strălucitor și este, de asemenea, cel mai dur cristal. Aurul nu este doar frumos - nu ruginește. Rothko și-a îndeplinit destinul de artist inovator: nu a șlefuit formele la perfecțiune, ci a găsit constant altele noi.

O zi bună, dragi cititori. Astăzi vom intra în contact cu lumea creativității, în cazul nostru, fără sens și fără milă. Este despre despre unul dintre cei mai scumpi artiști din lume, ale cărui picturi au costat o avere.

Mark Rothko(Engleză) Mark Rothko, nume de nastere -Markus Yakovlevici Rotkovici; 25 septembrie 1903, Dvinsk, provincia Vitebsk, acum Daugavpils , Letonia - 25 februarie 1970, New York ) - artist american, exponent principal al abstractului expresionism , unul dintre creatorii picturii câmp de culoare . (Credeți-mă, creatorul unor astfel de câmpuri trăiește în fiecare dintre voi. Nota autorului)

Să nu târăm ratonul prea mult timp și să trecem la cunoștință.

„Portocaliu, roșu, galben” (1961) Mark Rothko- vandut 05.08.2012 la licitația Sotheby's86 882 500 $. Pictura aparține perioadei strălucitoare a operei expresionistului american. Cu toate acestea, la sfârșitul vieții, când faima îi venise deja, artistul a căzut într-o depresie profundă.

№ 10

1958

Preț - 81.925.000 USD

Centrul alb

Preț - 72.800.000 USD

Sper că nu ai murit încă de invidie și nu ești supărat pe Dumnezeu că te-a lipsit de un asemenea talent. Nu voi converti prețurile picturilor în ruble, astfel încât textul să conțină mai multe litere decât cifre.

Roșu regal și albastru

Preț - 70.100.000 USD

În acest moment, ești deja capabil să deosebești Rothko de Van Gogh, Rubens sau Picasso, chiar dacă nu le-ai văzut picturile.

Albastru și gri

Nu putea accepta să fie numit abstractionist, deoarece considera picturile sale ca o reflectare a vieții reale, organisme vii care caută contactul cu privitorul. [Sper că ați stabilit deja contactul?]

Arta este un lucru complex pe care, aparent, nu mi se dă ocazia să-l înțeleg pe deplin. Acesta este ca salariul jucătorilor echipei naționale de fotbal a Rusiei; nu este clar de ce este atât de mare.

Mark Rothko a fost atât de înzestrat încât majoritatea picturilor sale nu au titluri.

Fără titlu (galben și albastru)

Mă voi opri la această bucată pentru că probabil că mulți oameni sunt deja plictisiți. Dar aproape peste tot are avantajele sale, acum îl poți distinge pe Rothko de alți artiști, ai ocazia să vorbești pe tema artei, iar cineva, inspirat, va merge după un șevalet și pictează.

Să încetinim un minut și să ne gândim, cine „recompensează” o persoană cu statut - artistul? Însuși autorul? Agenții de publicitate care încearcă să vândă o capodopera (citește cuvântul cu accent caucazian) cât mai scumpă? Oameni care sunt dispuși să plătească o avere pentru o bucată de pânză? Cum să găsiți experți care evaluează astfel de lucrări? Cum să intri în această sectă? Sunt sigur că știți răspunsurile la aceste întrebări.

Trăim într-o lume amuzantă, în care un tablou poate costa sute de milioane și poate atrage la fel de mulți admiratori, o lume în care urnele nu costă practic nimic și, în consecință, nu atrag atenția nimănui, cu excepția poate cititorilor noștri respectați.

Din păcate, urnele nu au fost instalate niciodată la Zelenstroy, dar, la fel ca Mark Rothko, nu voi renunța la munca mea, nu voi renunța sub jugul celor care nu înțeleg și condamnă.

Bună dispoziție tuturor, aveți grijă de voi și de cei dragi.

Bella Adtseeva

Mark Rothko, al cărui nume este cel mai adesea asociat cu pictura abstractă de câmp de culoare, a parcurs un drum lung în artă, în care a existat un loc pentru pictura figurativă, tehnica tachismului și suprarealismul pur. Artistul a refuzat să explice cele mai cunoscute lucrări ale sale - multiforme și abstracțiuni - și a suprimat orice tentativă de interpretare: esența artei este arta însăși, o manifestare materială a viziunii artistului asupra lumii, a susținut Rothko, care, doar cu ajutorul culorii, a reușit pentru a evoca atât șoc, cât și speranță în telespectatori, dar mai des durere, frică și sentimente de singurătate. Astăzi se împlinesc 110 de ani de la nașterea artistului.

Picturile expresive ale lui Mark Rothko au o trăsătură mistică - potrivit multor privitori, picturile, atunci când le observi de la o distanță apropiată (și despre asta a insistat artistul însuși), trezesc emoții puternice - un sentiment accentuat de singurătate sau frică. , până la punctul în care stând în fața lor, oamenii deosebit de sensibili pot plânge. Criticii de artă tind, de asemenea, să vadă o reflectare a laturii tragice a vieții în opera lui Rothko - fie că este vorba de lucrările sale timpurii sau de multiformele care l-au făcut celebru pe artist. „Experiența tragică a catharsisului este singura sursă a oricărei arte... Nu mă interesează relația dintre culoare și formă sau ceva de genul acesta. Mă interesează doar exprimarea emoțiilor umane de bază - tragedie, extaz, disperare, ” a scris Rothko.

Fiu al imigranților evrei care au emigrat în Statele Unite din orașul rus de atunci Dvinsk cu câțiva ani înainte de Revoluție, Marcus Rothkovich s-a mutat la New York din New Haven, Connecticut, în 1923, la apogeul „Epocii Jazzului”, când sunete de boogie-woogie se auzeau din fiecare bar din Manhattan, iar lumea obosită de război era însetată de distracție și distracție. Atunci Rothko, care tocmai a renunțat la Universitatea Yale, a urmat un curs cu Max Weber, de la care a învățat să înțeleagă arta ca un mod de auto-exprimare și a cărui influență se simte în mulți. lucrări timpurii Rothko. În primii câțiva ani la New York, și-a câștigat existența predând pictura copiilor, repetându-le elevilor săi ideea că pictura ar trebui să fie ușoară — un proces nu mai dificil decât cântatul.

Seria sa de picturi înfățișând metroul din New York, în special pe cel mai faimos dintre ele „Intrarea metroului” (1938) - încă deloc pentru ce a devenit celebru Rothko în deceniile următoare și cu ce este încă asociat. Acesta nu este realism, dar există figuri distincte ale oamenilor și arhitectura gărilor, deși se poate vedea altceva - o lucrare recunoscută cu culoare și o dispoziție generală sumbră inerentă picturilor ulterioare ale artistului. Însuși spațiul de acțiune - lumea subterană - în Rothko devine o metaforă a experiențelor interne și a anxietății inconștiente, sentimente care în timpul Marii Depresiuni pentru mulți au devenit persistente.

Anxietatea care a fost în aer de-a lungul anilor 1930 este inseparabilă de peisajele urbane ale lui Rothko - oamenii din picturile sale, fie ele figuri înghețate singuratice sau o pereche de însoțitori, se află în mediul lor familiar și în grijile cotidiene, dar fiecare dintre ei este cufundat în el însuși și este copleșit de anxietate, ca în „Scena de stradă” (1937). New York-ul, cu nenumăratele sale restaurante, baruri și cinematografe, precum și locuitorii săi tulburați, în anii 1930 și 1940 a devenit un indicator al depresiei generale nu numai pentru Mark Rothko - atunci pictura de gen american a ajuns în prim-plan, exemplificată prin pot fi considerate celebrele „Bufnițe de noapte” de Edward Hopper. Dar picturile lui Rothko chiar și atunci erau diferite de picturile altor artiști, executate într-o manieră naturalistă - în modul în care sunt reprezentate marginile peronului, pereții și coloanele stațiilor de metrou, se pot discerne primii pași ai lui Rothko către pictura sa abstractă, înțelegerea că arta ar trebui să exprime viața prin emoții, nu prin descrieri.

Alte picturi ale lui Rothko din aceeași perioadă, numite în mare parte Fără titlu, înfățișează figuri de oameni care privesc cu îngrijorare și uneori groază în ochii lor la ceva în afara câmpului vizual al privitorului. Unele dintre cele mai revelatoare lucrări - Portretul unui nud în colțul unei camere (1937-1938), Și Pictură cu două figuri la o fereastră (1938). Privitorul care urmărește aceste imagini nu se simte mai puțin inconfortabil și neliniştit decât eroii lor.

"Picturile mele sunt o călătorie imprevizibilă într-o lume necunoscută. Cel mai probabil, privitorul ar prefera să nu meargă acolo", a spus artista.

La sfârșitul anilor 1930 și începutul anilor 1940, New York-ul a fost cucerit de suprarealism - unii artiști inovatori, inclusiv Salvador Dali, s-au mutat în Statele Unite din Europa. Mark Rothko, împreună cu Adolph Gottlieb și Barnett Newman, petrec mult timp discutând despre ideile lui Dali, Joan Miró, Max Ernst și Piet Mondrian și devin inevitabil influențați de aceștia. Perioada suprarealistă a operei lui Rothko se dovedește însă din nou a fi diferită de oricine altcineva, iar vorbind de influență, aici, alături de pionierii avangardei europene, trebuie să amintim „Nașterea tragediei” a lui Friedrich Nietzsche și mitologia cu simbolismul ei. În același timp, Rothko era interesat de lucrările lui Freud și Jung, iar în 1940 chiar a părăsit pictura pentru o perioadă pentru a se cufunda complet în teoria inconștientului colectiv și interpretarea arhetipală a viselor.

Rezultatul a fost o nouă direcție în creativitate, când Rothko a abandonat reprezentarea vieții cu ajutorul imaginilor moderne și și-a propus să elibereze omul de golul care îl umple cu ajutorul simbolurilor mitologice.

Picturi suprarealiste din această perioadă - „Sacrificiul Ifigeniei”, „Antigona”, „Păsări ierarhice”- nu mai puțin sumbre decât lucrările sale anterioare: aici sunt palmele îndoite în rugăciune, și jumătate de corp uman, și fragmente de brațe și picioare. Imagine Prevestirea vulturului(numele poate fi tradus ca „semn” sau „semn al vulturului”) artistul l-a numit „întruchiparea unei idei tragice”.

Arta lui Rothko s-a schimbat din nou la mijlocul anilor 1940, când mitologiile au fost înlocuite cu picturi abstracte, în care unii experți văd referiri la „Nașterea lui Venus” a lui Sandro Botticelli, alții – o reflectare a evenimentelor din viața personală a artistului – tocmai atunci Rothko și-a cunoscut a doua soție. Poza lui „Încercul lent pe marginea mării” (1945) starea de spirit este mult mai ușoară, iar în imaginea abstractă se pot observa două figuri umane, subordonate relației dintre culoare și formă.

Așa și-a descris însuși Rothko figurile: "Identitatea imaginii și a obiectului acesteia trebuie să rămână în trecut. Aceste organisme sunt pline de hotărâre și voință de a-și apăra drepturile."

Cuvintele artistului, care vorbește despre picturile sale ca pe o formă independentă de viață, aflată în afara controlului său, arată clar că pictura pentru Rothko chiar și atunci a fost mai mult o meditație decât o acțiune.

Mark Rothko „Vârtej lent pe malul mării”, 1944-45

Atmosfera ostilă a lumii postbelice îl împinge pe Mark Rothko către o nouă căutare creativă, care provine din tehnica tahismului ( pictura abstracta pete) l-au condus la chintesența creativității - celebra Capela Rothko.

Ororile războiului și lipsa lui de sens au devenit una dintre principalele teme ale reflecției creative în a doua jumătate a anilor 1940 și 1950. Prietenul apropiat al lui Rothko, Barnett Neumann, a rostit atunci cuvinte care au devenit un manifest pentru mulți artiști – „Nu mai există nicio posibilitate de a picta la fel ca înainte și la fel ca înainte” – și el însuși a părăsit pictura timp de patru ani. În acest moment, Mark Rothko călătorește în Europa, unde în Florența vizitează biblioteca Medici, construită după schițele lui Michelangelo, și caută, de asemenea, inspirație în lucrările a doi dintre artiștii săi preferați - Rembrandt și William Turner. Nici unul, nici celălalt nu au influențat următoarea renaștere a lui Rothko la fel de mult ca „Studioul roșu” al lui Henri Matisse, pe care artistul l-a văzut la Muzeul de Artă Modernă din New York în 1949, când a stat câteva ore în fața tabloului. Pânza pictorului francez, cunoscut pentru manipularea sa inovatoare a culorii, i-a arătat lui Rothko calea viitoare - atunci a început să picteze mai întâi multiforme (unul dintre exemplele celebre este Nr.9, 1948), și apoi a venit la propriul stil, făcându-l unul dintre cei mai importanți artiști ai generației sale.

La începutul anilor 1950, expresionismul abstract al lui Mark Rothko a devenit ceva complet nou în pictura americană. Vorbind despre picturile altor artiști, care aveau adesea un efect calmant, relaxant, Rothko a spus că lucrările sale „au scopul opus” și au fost scrise nu pentru istorie sau studiouri, ci pentru oameni a căror reacție a fost singura valoare care a adus satisfacție pentru artistul.

„Faptul că mulți oameni se pierd brusc și pot izbucni în plâns în fața picturilor mele înseamnă că pot comunica cu emoțiile lor umane de bază... Oamenii care plâng în fața pânzelor mele experimentează aceeași uimire religioasă pe care am simțit-o atunci când am pictat. Iar dacă ești mișcat doar de relațiile coloriste, atunci ai ratat cel mai important lucru”, a menționat Rothko.

Atât atunci, cât și acum, experții sunt de acord că pictura lui în câmpul de culoare nu este despre ce emoții poate evoca culoarea, ci despre modul în care Rothko face ca culoarea să aibă un asemenea efect asupra privitorului.

Cu puțin timp înainte de a trimite comanda, Rothko și soția sa au venit la Four Seasons, unde, după ce s-au uitat la meniu, au declarat că „oamenii care sunt dispuși să plătească astfel de bani pentru mâncare nu se vor uita niciodată la picturile mele”. Contractul a fost reziliat, iar Rothko a cerut să returneze frescele.

Rothko și-a pictat picturile abstracte până la sfârșitul vieții, în anul trecut concentrându-se pe culoarea neagră bogată. Cele mai cunoscute picturi din această perioadă și, potrivit criticilor, coroana întregii opere a artistului au fost 14 pânze comandate de filantropii John și Dominique De Menil pentru Capela situată în Houston. În fața intrării în Capelă se află o sculptură de Barnett Newman dedicată lui Martin Luther King. Astăzi, Capela Rothko, deschisă oamenilor de toate credințele, a devenit nu doar moștenirea artistului, ci și un loc asociat ideii de egalitate universală.

Succesul nu a făcut decât să exacerbeze sentimentul de izolare al artistului. În lumina filozofiei sale, care a denunțat comercializarea pe scară largă a artei, înregistrările de preț de astăzi par, de asemenea, ambigue ( "Portocaliu, rosu, galben"În 2012, a trecut de la licitație pentru 86,9 milioane de dolari), pe care picturile artistului sunt instalate din nou și din nou la licitații - este aceasta o victorie pentru Rothko sau înfrângerea lui? Oricum ar fi, semnificația și scopul principal pe care el le-a dat picturilor sale - un apel la emoțiile umane de bază - sunt încă cuprinse în ele și astăzi, așa cum se poate observa, de exemplu, la Tate Gallery din Londra. Picturile sale murale, create pentru zgârie-nori Seagram, au fost aduse acolo pe 25 februarie 1970. Printr-o coincidență ciudată, în aceeași zi, asistentul lui Rothko l-a descoperit pe artist mort în bucătăria apartamentului său, într-o baltă de sânge.